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名師專訪第125

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名師簡介:張德建,1952年,生于天津。 1977年,天津美術學院繪畫系畢業。1989年,天津美術學院油畫系研究生畢業,獲碩士學位。1989年,任教天津美術學院油畫系。1998年,獲國家教委獎學金,赴比利時安特衛普皇家美術學院訪問學者一年。 1999年,至今天津美術學院油畫系教授,研究生導師。

設計觀點:追求天人合一

個人榮譽:2003年《第三屆中國油畫展作品集》發表“靜物”一幅; ?
2002年《北方美術》1期發表“靜物”一幅; ?
2003年《中國第三屆油畫展》參展“靜物”作品一幅; ?
2002年《北京、天津基督教青年會聯展》參展作品兩幅; ?
2003年《中國高等美術學院藝術論壇》發表“基礎的拓展”; ?
2002年《北方美術》1期發表“課上與課下”; ?
2002年《北方美術》1期發表“第三工作室教學主張”。

納金網:

現在學生很多更愿意畫一些表現的情感的創作,有人說如果開始時候進行了大量的寫實訓練就阻礙了之后的抒情達意的創作,您怎么看這個現象?

張德建:

我們當時的教學還不像現在的教學,現在教學是研究生在一年級的時候,有這種大家一起上的人體寫生課,屬于基礎的課題吧。我們當時研究生三年中頭兩年寫生還是比較多,最后一年創作。現在的教學是頭一年進行統一課題學習,不管你研究方向是什么,在頭一年里提供模特,一起畫模特,但是你可以有自己的研究方向,找自己的導師交流。第二年隨導,第三年創作。我覺得現在這個方式還是可以的。不同研究方向的學生可以在頭一年接觸一些共同的課題。學校提供一個模特,這個模特就是個題材,你可以根據這個題材做自己的課題。現在我教學這么多年了,我知道學生的情況,到研究生這個階段,他們認為本科畫模特,現在讀研還是畫模特,有的學生就畫不下去了,這是挺普遍的現象。甚至有時候學生到課堂上真正畫畫的很少,每屆都有這樣的學生,好多學生不會自己確立課題,尤其是讀本科的時候,都是由學校規定課題,并且要求統一模式標準,學生學的是技術而不是思想。長期按固定模式思考,形成慣性,學生不太會自己提出課題,所以我覺得好多學生畫不下去是這個原因。其實,你看看大師的畫,就是畫人體,卻是各種藝術表現,說明完全可以借助人體題材研究自己的課題解決自己的問題。研究生階段就是培養個人提出問題和解決問題的能力,模特其實就是個題材,例如你想研究色彩,色彩在模特身上就有,在靜物身上也有,所以題材不是很重要。問題的實質在于學生沒有自己的課題,沒有自己研究的角度,他就覺得研究生階段的寫生課程是重復,就覺得沒有意思了。因為藝術是具有創造性特點的,像是搞科研,應該自己找到課題,自己找到自己的題解方式。我們學畫都有這個經歷,大家都畫過石膏,研究素描,但是就拿最簡單的石膏來說,有的人可以在石膏上看見結構,比如塞尚,有的可以看光影,比如莫奈,就是角度不同而已,你以自己感興趣的角度確立自己的課題,以自己的想法、眼睛和手來做這個課題,再把對課題的認識應用到其它事物的觀察中去,以這種學習方法去創作,你就能研究進去。研究生教學應幫助學生學會自學,自主研究問題。它不像本科,是規定好的課題,研究生一定要學會自己主動地找課題,當你對一個課題有了自己的認識,那你就有創造性了,自己在做課題的過程中,就不會出現覺得寫生課沒意義這種問題了。另外需要強調的是,創作的本質就是把個人思想表達出來。面對模特有自己的課題、想法,用自己的手段表達,這本身就是創作,寫生本身就是在抒情達意的創作。寫生如果沒有想法,重復以往,就不是藝術創作,難怪自己覺得沒意思。相比較而言,寫實繪畫的工作室一直畫寫生,因為他們的研究方向就是寫實的,課題明確,所以能一直在研究,研究有自己的心得,他就有方向,就能一直做。相反的,表現教研室這一組有些學生沒有找到自己的研究方向的時候,就畫不進去了,確實有這個情況,解決的途徑就是要學會積極主動的自己找課題做。

納金網:

現在電子產品易得,有的同學就拍了之后再回來畫,不太愿意長時間對著景物去寫生,您又是如何看這個現象?

張德建:

是有這樣的現象存在,跟剛才的問題差不多,一樣的。如果學生有自己的課題的話,一定要將這個課題融入到寫生中,手眼結合起來觀察描繪景物。如果單純拿照片畫的話,會缺少很多東西,比如說像空間感和色彩感。這都是在實際觀察中才能獲取的,照片就會限制很多,照片可以提供一個形象的東西,比較方便,提供的還是題材,跟剛才說的人體模特僅是題材一樣。但是照片有其局限性,比如說做色彩研究,那個照片上的色彩就和實際上的差得太多太多,當時在現場看到一個特別感人的景象,特別想畫下來,如果你照下來回來再畫,有時候會發現當時的靈感和表現欲望全沒了。眼睛不是隨便看的,一定是有自己的角度,自己的選擇和組織,你實際的觀察跟照片簡直沒法比,每個人實際看到的顏色跟別人的都不一樣,這是特別明顯的。照片可以作為一種題材為我所用,借助這個題材來畫我的畫,這種情況我認為應該是在做過很多課題之后,有經驗了再這么做,比如色彩課題都研究過,這時候照片提供的就是個題材,更多的是自己已有的對色彩的認識在畫畫時候自然的流露,把研究成果都放進照片。但是學習階段,我覺得還是直接面對事物,把課題加進去,比如色彩的純度和明度之間是怎么聯系的,這時候你是面對實際問題,有參照物,利于研究規律。在研究課題的學習階段,還是應該寫生,而照片離開了觀察很難研究課題。課題研究就像打網球,一個課題一個課題都練過了,發球啊,正手啊,各種課題都會練習到。學畫的時候也是一樣,等你對許多繪畫課題都有認識了,好比色彩的純度,素描的各種問題,你創作的時候跟網球打比賽的時候一樣,就會把前期習得的好多知識和認識都放進去,那時候你借助一個照片畫沒問題,但是在研究的時候最好是把課題提出來,最好是寫生,把自然中的規律都掌握了,再在創作中自由運用。我覺得你提的這個問題,在學生中挺普遍的,是值得大家思考的。

納金網:

據資料了解,比利時訪學過一段時間,出國之后對您之后的創作有什么樣的影響,國外美術教學跟國內的美術教學有什么區別?

張德建:

出國對我的影響是太大了,去比利時學習了一年。當時是這樣的情況,我是89年研究生畢業的,畢業后畫不下去了,我研究生學習階段喜歡馬蒂斯,可以說是模仿馬蒂斯。當時大多數的樣式都是蘇派,所以我的畫風相對少見。可是后來我意識到模仿馬蒂斯或者模仿蘇派本質上都一樣的,作品還是沒有自己的研究角度,畫面中沒有自己的思想,自己的語言,越來越沒有自信,那時就是這種情況,不知道怎么畫,差不多有10年時間都畫不下去了。89年畢業,零星的畫一些,然后到98年去了比利時。在比利時和回國后的兩三年內我仍然畫的不多,但出國的經歷使我對藝術的理解有很大的改變,認識到用自己的語言表達自己的思想的重要性,同時也找到了建立自我畫風的途徑:對遇到的所有課題獨立思考,拿出自己的觀點和好惡,深入研究直到認識其規律,然后自由運用自己的研究成果。這種認識和實踐幫助我重新開始繪畫,繪畫又成了自己有興趣的事情,作品也積累起來。我想對藝術的認識的改變是我出國學習的最大收獲。

我去比利時的時候,繪畫已經是邊緣了,基本上是裝置藝術、影視藝術為主。剛才你說的藝術知識在這樣的情況下就顯示出來重要性了,因為我沒有這些知識儲備,就看不懂。我去的時候就是看現代主義,其實就看自己知識儲備下能接受的,古典繪畫基本不看,這說明知識儲備是什么樣的你能接受的東西就是什么范圍的,所以理論和實踐結合太重要了。當時國內的教學和比利時的教學區別很大,因為當時咱們還是蘇派教學模式,各個學院都是如此。現在國內的教學模式跟他們差不多了。那邊的學生也都很自由,當時歐洲的學校很不一樣,像巴黎美院幾乎都是現代繪畫那種創作,模特寫生幾乎沒有了,我去的那個學校是安特衛普皇家美院,在歐洲算是比較保守的,它就是在本科一、二年級有模特寫生,但是比較明顯的區別是他們的教學課題比較清楚,有一個課題就是先做塞尚的研究,再做一個由塞尚衍生出的課題,由這個課題引發自己的聯想,這個課的目的性很強,就是帶著問題去畫;還有以靜物為題材的課程,教室里面有兩個專門放靜物的柜子,有各種材料的物品,學生也不多,就七個人,自己拿來靜物,自行設計擺放。題材是靜物,手段卻是各種各樣,由學生講解自己的創作。授課老師每周兩天來學校,學生有問題就去找老師,具有自主性。學習靠努力,你不努力,教授會說你水平不夠,不適合從事藝術,不能繼續三四年級的學習,而且,不是所有學生都能拿到畢業文憑。

納金網:

在一篇采訪您的報道中,您說您的畫追求天人合一的這種感覺,在您的繪畫中怎么體現這種“天人合一”?

張德建:

天人合一是一個太大的概念,其實所有的畫都是天人合一的,都是一個內一個外,畫家看到自然,看到外面的事物,然后就會有所感悟,“外師造化,中得心源”道出一個普遍的規律,繪畫就是一種天人合一的形式。這是咱們中國理論特色,中國哲學觀都特別大,天人合一涵蓋一切。每個人都會有自己對天人合一的理解,我比較注重對于外界事物的感受,我覺得藝術其實就是表達感受的,感受就得有一個對象,外物與自我感受的結合就是天人合一,我一般畫畫都有個對象,萬事造法,這是普遍規律。

納金網:

最后,請您結合您的教學理念,給現在的學生提一點建議?

張德建:

那就說些我教學中體會較深的。我覺得,咱們的學生一個特別大的問題,就是不太會自己提出課題進行研究,特別是研究生階段。研究生這個階段就是要有自己的課題去研究,這個課題不一定是一個深思熟慮之后得出的課題,其實有的時候甚至你這張作品突然想到了什么,你就可以拿這個課題來做,但是你又不能是太隨性,太感性。你要明確當時那張畫突然特別感興趣的東西是什么,比如好多學生就是單純覺得一張畫感覺太好了,“這張畫畫出了我的情緒”,這都特別虛,應該落到具體的地方,畫得好,好在什么地方?比如好在色彩,色彩哪里好?是因為它的對比好,或者是好在純度做得好,那就是純度符合色彩的規律,如果他認識到了這個規律,這個課題就會繼續下去,他就有問題去形成課題研究,由感性上升為理性,而理性會更長久。好多學生就是不太習慣這個學習方法,而認為非要找到一個代表個人精神、情感、情緒的表現,其實不是的,課題是各種各樣的,情感也是各種各樣的,你都要去研究。平時要多思考,繪畫能包含哪些課題,針對這些課題,你自己怎么去做,一般講課題都是共性的,要做出自己的體會來。對學畫的人來說,素描色彩課題都做過,但是畫是要有獨創性,研究生階段就要求做出自己的認識,這是一個關鍵,所以現在學習就是要解決這個問題,就是要把注意力集中在一個事物上。這就是我說的課題,你對什么感興趣,就研究下去,研究到最后能有發現,能發現自己看到的和別人不同,這就有創造的機會,比如馬奈在室外直接觀察事物的時候,他看到的很多時候不是五個調子,是三個調子,你看他在課題中,在黑白灰調子中,他看到了自己的發現或者一個角度,所以他的畫面非常概括,他不是拿五個調子把形推出來,他是拿三個調子把感覺畫出來,他是把自己的直覺畫出來,他知道室外陽光一照根本沒有五個調子,是三個調子,他就是在這個造型因素色彩課題上有了自己的發現,所以他的畫有這種變化,學生應該學習這種自主的研究問題的思維和方法,我當時十年多都畫不出畫來,也是遇到了這個問題,一樣的,我沒有自己的認識,怎么會有自己的表達。所以馬奈的例子,很說明問題,一定要有自己的發現,造型中那么多的因素,對每一個因素都要盡量自己去研究,精神和情感都會在研究中顯現,很具體,不是虛的。

 


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